sábado, 30 de mayo de 2015

El Modernismo presente en la Ruta Gaudi en Barcelona y en la Iglesia El Rosario de El Salvador

Ruta Gaudi en Barcelona,España
Ruta Gaudi,Barcelona,España
El modernismo de Gaudí en Barcelona La ciudad de Barcelona, capital de Cataluña, fue el principal escenario en el que Antoni Gaudí, el gran arquitecto y decorador modernista, desarrolló su genio. Desde sus primeros encargos modestos hasta los edificios que la UNESCO declaró Patrimonio Mundial, las huellas del arquitecto de Reus son uno de los principales atractivos de Barcelona.

Se trata de una ruta que puede realizarse en un día. Puede hacerse a pie, en bicicleta o utilizando los transportes urbanos de Barcelona. Un dato a tener en cuenta, sobre todo si elegimos cualquier de las dos primeras opciones, es que nuestra ruta recorre la ciudad de la zona baja a la zona alta.

El inicio del recorrido es la Plaza Real, en pleno centro del casco antiguo de la ciudad. Allí se encuentran dos farolas de seis brazos que el arquitecto diseñó por encargo del Ayuntamiento de Barcelona. Fue uno de sus primeros trabajos (1879), cuando sólo contaba con 27 años de edad.

Justo al otro lado de las Ramblas, en la calle Nou de la Rambla número 3-5, se alza el Palacio Güell, una de las numerosas obras que realizó por encargo del industrial y político Eusebi Güell. Construido entre 1886 y 1890, fue uno de los primeros edificios en el que manifestó su concepción de la arquitectura y la decoración. El edificio está declarado Patrimonio Mundial por la UNESCO.

A continuación subiremos por las Ramblas hasta la Plaza de Catalunya y el comienzo del Paseo de Gracia. A la derecha aparece la calle Casp, cuyo número 48 es la Casa Calvet, edificio diseñado por Gaudí entre 1898 y 1900. Volvemos después al Paseo de Gracia para visitar la Casa Batlló (1904-1906). Se sitúa en el número 43 y destaca por su imaginativa fachada. También está declarado Patrimonio Mundial.


Dos esquinas más adelante, en la confluencia del Paseo de Gracia (número 92) con la calle Mallorca, se encuentra otra gran obra de Gaudí: la Casa Milá (o La Pedrera), construida entre 1906 y 1910 y reconocida como Patrimonio Mundial por la UNESCO. Son características sus formas curvadas, la piedra caliza blanca de su fachada, sus innovadoras chimeneas o el diseño (también curvado) de los espacios y viviendas interiores.


Si continuamos por la calle Mallorca en dirección nordeste, en aproximadamente 1,5 kilómetros llegaremos a la Basílica de la Sagrada Familia. Es posiblemente el edificio más famoso internacionalmente de los que concibió Gaudí y todavía está en proceso de construcción. Además de su diseño y concepción, son obra directa de Gaudí la cripta y la fachada de la Natividad, ambas declaradas Patrimonio Mundial.

A continuación, nos encaminaremos hacia la parte alta de la ciudad. A unos 2 kilómetros, al norte del barrio de Gracia, descubriremos el Parque Güell. Se trata de unos jardines con elementos arquitectónicos diversos, diseñado por Gaudí entre 1900 y 1914, en su etapa de madurez artística.


En la calle Carolines número 24, a poca distancia del Parque Güell, se encuentra la Casa Vicens, uno de los primeros encargos que consiguió el joven Gaudí (1883-1888). Después nos encaminaremos hacia la Torre Bellesguard, situada en los números 16-20 de la cercana calle de mismo nombre.

La penúltima visita será a poco más de 1 kilómetro, en la calle Ganduxer número 85. Allí está el Colegio de las Teresianas, otro de los trabajos de Gaudí. Finalmente, concluiremos la ruta con un nuevo edificio realizado para Eusebi Güell: los Pabellones de la finca Güell, en la Avenida de Pedralbes número 7. Es un conjunto de edificios que Gaudí llevó a cabo entre 1884 y 1887.



Si disponemos de tiempo, la ciudad de Barcelona y su provincia tienen otros edificios modernistas de interés,pero para mayor detalles aquí les dejo un vídeo para que se den una idea de lo que les estoy hablando:

  •  Cooperativa Obrera Mataronense, una de las primeras obras del insigne arquitecto (1878-1882). Está situada en la ciudad de Mataró (a 28 kilómetros de Barcelona, en el litoral nordeste).
  • Bodegas Güell, situadas en el pueblo de Garraf (municipio de Sitges), con diseño de su autoría. También a unos 28 kilómetros de Barcelona, pero en el litoral sudeste.
  •  Cripta de la Colonia Güell, construida entre 1908 y 1915 en Santa Coloma de Cervelló (a unos 12 kilómetros de Barcelona, por el eje del Llobregat).
Iglesia El Rosario en El Salvador

Iglesia El Rosario,El Salvador

La Iglesia El Rosario está caracterizada por ser la Primer Iglesia no sólo en El Salvador, sino en toda América- “de cara al pueblo y no en Fuga de Dios” tal como lo describe su creador.
La Iglesia El Rosario está llena de simbolismos, el más evidente es el dramatismo creado en la entrada, pues sus puertas son muy bajas pero al cruzarlas nos encontramos con una gran cantidad de espacio iluminado por la luz que se filtra en los vitrales del arco, que según el Arquitecto, simbolizan el amanecer y el atardecer; su volumetría responde a la necesidad de techar la mayor cantidad de terreno con menos dinero, lo que genera la planta rectangular en las Iglesias.
 Observar su techo cóncavo, diferente al que vimos en la Iglesia de la Sagrada Familia en el cantón de Nazareth.


Las estaciones del "Vía Crucis"
Observar la peculiar forma de representación de cada estación, de concreto y con relieve.


La capilla del Mausoleo


Interior de la Iglesia El rosario en El Salvador
La Iglesia de El Rosario se encuentra localizada al costado oriente de la Plaza Libertad, y posee un diseño arquitectónico moderno en  la gobernación del Ex Presidente Napoleón Duarte lo que rompió con los habituales cánones de construcción religiosa en la ciudad, es decir el tipo cruz latina y griega.


Además está caracterizada por ser la Primer Iglesia no sólo en El Salvador, sino en toda América  “de cara al pueblo y no en Fuga de Dios” tal como lo describe su creador.

La Iglesia El Rosario está llena de simbolismos, el más evidente es el dramatismo creado en la entrada, pues sus puertas son muy bajas pero al cruzarlas nos encontramos con una gran cantidad de espacio iluminado por la luz que se filtra en los vitrales del arco, que según el Arquitecto, simbolizan el amanecer y el atardecer; su volumetría responde a la necesidad de techar la mayor cantidad de terreno con menos dinero, lo que genera la planta rectangular en las Iglesias.

Vitrales al interior de la Iglesia El Rosario
 Debido a que la anterior iglesia era de madera y resultaba pequeña, para el año 1962 el fraile dominico Alejandro Peinador encomendó al arquitecto y escultor Rubén Martínez el diseño de la nueva estructura y al también dominico español Domingo Iturgaiz la creación de las vidrieras cromáticas de los lados oriente y occidente.

Sin embargo, los planos no fueron admitidos en un principio por las autoridades eclesiales, por lo que Martínez decidió buscar la aprobación de la Ciudad del Vaticano que finalmente autorizó el proyecto. Al fin, la obra inició en 1964 y se dejo de trabajar en la misma en junio de 1971 y actualmente  no está terminada.
Dentro de la Iglesia El Rosario,murieron en la guerra civil personas que fueron secuestradas y que por su seguridad no podían salir,y murieron ahí dentro de la iglesia y sus restos están enterrados en la iglesia.
Martínez diseñó El Rosario tomando como base las enseñanzas litúrgicas del Concilio Vaticano II: «una iglesia de cara al pueblo y no en fuga de Dios». De hecho, en su interior no hay pilares que obstaculicen la visibilidad. Otras características del edificio, que tiene forma de arco, son sus paredes de concreto visto, la ordenada filtración y sucesión de luces, vidrieras al cemento, y un vía crucis hecho de hierro negro sobre cemento y piedra pómez. Al final de dichas estaciones se encuentra un «Cristo resucitado» de hierro en espiral.

 En este mismo lugar, cuando comenzaba a establecerse la ciudad de San Salvador, fue erigida la parroquia dedicada al Santísimo Salvador del Mundo, que originalmente había sido puesta bajo la advocación de la Santísima Trinidad. Asimismo, la iglesia contiene los restos de los presbíteros José Matías Delgado,y probablemente los de Nicolás Aguilar y Bustamante.
Para muchos, José Matías Delgado, es el prócer más importante de los eventos independentistas. De su tumba, se sabe que está en la iglesia El Rosario, de San Salvador, pero no con exactitud.
Tumba de José Matías Delgado

Cuando murió, se sabe que fue enterrado en al pie del altar mayor de la Iglesia Parroquial, pero al reconstruirse a mediados del siglo XX se perdió su cuerpo. “Como una forma simbólica se colocó la placa mortuoria y del altar se trasladaron huesos, pero en verdad no se sabe cuáles son del padre Delgado”, dice el párroco de la iglesia, José Gómez.

En la misma iglesia El Rosario, la tradición oral ha dicho que las osamentas de los hermanos Aguilar, Nicolás y Vicente yacen en el lugar, pero de estos no existe ninguna placa.
Del otro prócer que se conoce de su tumba, más no si están sus osamentas es del prócer José Mariano Calderón, en la iglesia central de Santiago Texacuangos.

En la entrada de la iglesia se encuentra una placa donde se da fe de su muerte e incluso, su muerte fue documentada en los libros municipales de esa iglesia, pero al consultar a los personeros del lugar y al sacerdote no conocen con exactitud de la tumba.

Los restos de José Matías Delgado se encuentran en la Iglesia El Rosario, sitio en el que se encontraba la antigua Catedral Metropolitana, en el centro histórico de San Salvador.Cabe agregar que la ubicación exacta de dichos restos no es conocida, a pesar de que existe una lápida. Originalmente se encontraban en el altar principal, pero se extraviaron debido a remodelaciones en el templo a mediados del siglo XX.

Aquí también les dejo un vídeo acerca de la Iglesia El rosario:



El cuadro “La Libertad guiando al pueblo” comparado con el cuadro del “Grito de la Independencia de El Salvador”

Nombre del artista: Eugene Delacroix
Nacionalidad el autor: Francés
Tipo de obra: Oleo sobre lienzo
 Museo del Louvre, París
Empezaremos abordando con primer lugar el cuadro de Eugene Delacroix y que en la historia se tiene que el 28 de julio de 1830, los revolucionarios liberales franceses derrocaban al rey Carlos X y provocaban la coronación de Luis Felipe de Orleans, el llamado Rey Burgués. 

Este episodio será el protagonista del cuadro más famoso de Delacroix, la Libertad guiando al pueblo, obra con cierta dosis de alegoría que recoge un hecho contemporáneo. La mujer que representa a la Libertad aparece con el torso desnudo, porta en su mano derecha la bandera tricolor y en la izquierda un rifle. 

Le acompañan miembros de las diferentes clases sociales - un obrero con una espada, un burgués con sombrero de copa portando una escopeta, un adolescente con dos pistolas, etc, para manifestar que en el proceso revolucionario ha existido amplia participación.

A los pies de la Libertad, un moribundo la mira fijamente para señalar que ha merecido la pena luchar. Con esta obra, Delacroix pone de manifiesto su ideología y su faceta de pintor de su tiempo. La composición se inscribe en una pirámide cuya base son los cadáveres que han caído en la lucha contra la tiranía, cadáveres iluminados para acentuar su importancia.

La vorágine de la batalla se manifiesta en la polvareda que difumina los contornos e impide contemplar con claridad el grupo de figuras que se sitúa tras la Libertad. Los escorzos y el movimiento de la imagen vuelven a recordar el Barroco, igual que en la Matanza de Quíos o la Muerte de Sardanápalo. Fue presentado al Salón de 1831 y adquirido por Luis Felipe para el Museo Real.


 Quién fue Delacroix?
Auto Retrato de Eugene Delacroix
Al hablar de Delacroix, tenemos a un personaje considerado como un gran revolucionario en el arte, un precursor del movimiento Romántico en la pintura. Su vida y su carácter se parecía a la del héroe de una novela romántica. Delacroix era distante y aristocrático de temperamento; ingenioso, encantador y popular en la sociedad. Tenía una naturaleza intensamente apasionada y aunque tuvo muchas relaciones amorosas, nunca se casó ni tuvo hijos. Todo su esfuerzo y trabajo dedicado a la pintura lo agotó y murió solo en París.
Su conciencia social se expresaba principalmente en las obras que transmitían una preocupación dramática por la libertad personal y política.

LA HISTORIA

En Francia en 1830 se vivió un momento de agitación debido al estallido de la Revolución Francesa. Desde esta revolución, la burguesía (comerciantes, ricos de la industria, intelectuales ), no cesaban de agitarse tratando de llegar al poder. Se buscaba acercar el gobierno a la sociedad.

Carlos X reinaba en ese tiempo y este rey quería imponer un régimen conservador. Se dice que en la cámara existían una mayoría liberal desde 1827 y dos años mas tarde, Carlos X entregó el poder al príncipe de Polignac, con lo cual hizo que el conflicto estallara.

Para la primavera de 1830, la Camara fue disuelta por el Rey y se convocaron a nuevas elecciones logrando así una mayoría liberal. Pero Polignac no estuvo de acuerdo con esto y mandó unas ordenanzas que fueron promulgadas el 26 de Julio de 1830 y que decían lo siguiente:

*Suspensión de la libertad de prensa
* Disolución de la Camara que acaban de reelegir
*Los diputados se reducían a solo 258 con duración de 5 años
*Nuevas elecciones se realizarían en el mes de Septiembre.

Pero después de que el monarca promulgara una serie de decretos represivos, aboliendo la libertad de prensa, disolviendo la legislatura y privando a la mayoría de ciudadanos del sufragio, la situación toco fondo. Comenzaron entonces las protestas y estalló la revuelta. Se cerraron los locales y  los obreros salieron a las calles para hacerse oír.

 Mientras los mercenarios desplegados por Carlos X se abrían paso a tiros por las estrechas calles, los partidarios de los revolucionarios les lanzaban muebles, tinas de lavar, tejas y cajas de herramientas desde las ventanas, dejando caer, finalmente, melones a carretadas sobre las cabezas de las tropas reales para intentar detener su avance. Fue entonces cuando los periodistas y los políticos redactaron una carta en contra de dichas ordenanzas.

El 27 de Julio la agitación aumentó y a esta revolución se unieron los estudiantes. Entre la noche del 27 y el 28 de Julio eran tantos en las calles, una masa de gente. Se podía apreciar como estos revolucionarios levantaban el pavimento construyendo barricadas ( de hecho al cuadro se le conoce también como La Barricada ).  Al mismo tiempo se levantaba la bandera tricolor, lanzando gritos de ” Abajo los Borbones! ” “Arriba la República”. Para el 29 de Julio las calles de París se habían convertido en un verdadero campo de batallas. 

Los Revolucionarios se había apoderado de la capital francesa. La encarnizada lucha en las calles duró tres días.El 3 de Agosto de 1830, los ciudadanos lograron la victoria, obligando a Carlos X a abdicar. Delacroix, que había observado la revuelta desde una distancia segura, cogió sus pinceles y su paleta. En una carta a su hermano, escrita en Octubre de 1830, confesaba:“Aunque no peleé, por lo menos pinte por nuestro pais”

El tema de la obra es la insurrección burguesa que como ya les conté, tuvo lugar los días 27, 28 y 29 de Julio de 1830. Conocidas también como las Tres jornadas gloriosas. En esta obra el artista quiere plasmar el día mas agitado de aquella revolución, el 28 de Julio. Esta pintura altamente controversial conmemora el levantamiento político en París en julio de 1830, cuando los parisinos tomaron las calles en rebelión contra el régimen tiránico y codicioso del Rey, Carlos X.


LA LIBERTAD
En el centro de la composición observamos a una mujer con su pecho desnudo, bayoneta en una mano y la bandera tricolor en la otra. Ella representa la libertad y lleva un gorro frigio, que era un símbolo de la libertad durante la revolución francesa. Las mujeres jugaron un papel destacado en la lucha en las calles de la Revolución de 1830.

Esta libertad avanza hacia el espectador, al mismo tiempo que vuelve la cabeza para mirar y animar a aquellos que la siguen.

LA BANDERA TRICOLOR
El tricolor republicana suplantó la bandera monárquica y era un símbolo de guerra para la Revolución.

UN JOVEN PATRIOTA
Comparación entre ambos cuadros:
  • Esta obra es una mezcla de realidad y alegoría. Realidad que les acabo de relatar y una alegoría de la Libertad de los rebeldes  reflejada con una figura monumental con cara de mujer.
  • Entonces estamos apreciando la primera composición política de la pintura moderna. 
  • Aquí el Romanticismo olvida la Antigüedad y comienza a dar sus primeras participaciones en la vida contemporánea.
  • Se representa la unión del pueblo y las clases sociales en la celebración, pero se puede notar como la clase burguesa predomina en un primer plano y el pueblo se ubica en un segundo plano en su mayoría.
  • También se puede mencionar que la posición de mano del prócer Matías delgado en el cuadro de el grito de la Independencia de El Salvador refleja posesión y en el del cuadro de libertad guiando al pueblo está refleja exactamente el liderazgo acompañado del gane de la batalla.

Cuadro del grito de la independencia de El Salvador

Cuadro de la Independencia de El Salvador 
Cuadro del pintor chileno Luis Vergara Ahumada de 1957, que muestra el Primer Grito de Independencia de Centroamérica en San Salvador. En primer plano el padre Delgado con el brazo derecho extendido.

Y es que la pintura barroca, tiene como característica la exageración de detalles, por lo tanto, la pintura cumple el requisito. Los rostros de las personas, sus ropas, sus joyas, las dimensiones, todo es perfecto. Todo contribuye a la ilusión.

Otra de los requisitos con los que el cuadro cumple es el tamaño. La pintura barroca presenta tamaños mayores a los naturales.

La pintura es barroca también porque predominan los elementos religiosos. La pintura nos sugiere que los curas tuvieron que ver con nuestra libertad, por lo tanto connota salvación gracias a la Iglesia.

Otro elemento importante en el cuadro es la ausencia de sensualidad. Ya que la pintura durante el movimiento barroco fue para enseñar sobre religión a los incultos y analfabetos de la época, en la pintura no podía ir inmersa la sensualidad.

Billete de 5 colones salvadoreño
5 colones salvadoreños en este también se encuentra estampada la imagen del cuadro de el grito de independencia de El Salvador
También tomaremos en cuenta el billete de 5 colones de El Salvador ya que en este también esta presente la imagen del grito de la Independencia y es que la calidad de detalles que presenta el cuadro es admirable. Esta admirable obra aparece impresa en el billete de cinco colones salvadoreño (billete ya desaparecido como moneda en uso) y presenta ese momento que nos pintan de manera "espontánea", el momento del primer grito de independencia, ese momento en el que se supone muchos disfrutaron y al igual que "Guiando al pueblo" sintieron por primera vez que el país era suyo.

sábado, 23 de mayo de 2015

Diferencias entre El Greco y Botero

EL GRECO
Pintura El Caballero de la mano en el pecho
Doménikos Theotokópoulos nació en Candía (Creta), en 1541. Hasta los 26 años vivió en su isla natal, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo pos bizantino. Residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano, y después en Roma, en contacto con el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo, donde vivió y trabajó el resto de su vida. Durante los 37 años que El Greco reside en Toledo, su arte sufre una profunda evolución.

En una primera etapa, se mantiene fiel a sus fuentes italianas. Pero hacia 1600, se intensifican los elementos artificiales e irreales de sus obras, fundamentalmente anti naturalistas y neoplatónicas. Murió en Toledo, en 1614.

 Aunque pintó sobre todo obras religiosas, se le deben también importantes retratos (Félix Paravicino, El caballero de la mano en el pecho) y algunos cuadros de temática diversa.

El Entierro del Conde de Orgaz
 La obra más admirada de El Greco es El entierro del conde de Orgaz, por el hecho de que el artista se valió de este acontecimiento para dejar constancia del momento en que le tocó vivir; para ello, dividió el cuadro en dos planos, uno celestial en la parte superior y otro terrenal en la inferior, de tal modo que la obra es al mismo tiempo un cuadro religioso y un retrato de grupo.

Pintura El Entierro del Conde de Orgaz
El plano superior, el celestial, no se aparta de sus restantes obras religiosas y presenta idéntico hondo misticismo y parecida intensidad dramática; la novedad se encuentra en el plano terrenal, donde los principales personajes del Toledo de la época, incluidos el propio pintor y su hijo, aparecen reproducidos con absoluta fidelidad.




















BOTERO

Nacido en Medellín en 1932, Fernando Botero fue el segundo de los tres hijos de la pareja formada por David Botero Mejía y Flora Angulo de Botero. Aunque en su juventud estuvo durante un corto lapso de tiempo en la Academia de San Fernando en Madrid y en la de San Marcos en Florencia, su formación artística fue autodidacta. Sus primeras obras conocidas son las ilustraciones que publicó en el suplemento literario del diario El Colombiano, de su ciudad natal.

A los 19 años viajó a Bogotá, donde hizo su primera exposición individual de acuarelas, gouaches, tintas y óleos en la Galería Leo Matiz, y con lo recaudado vivió algún tiempo en Tolú. De su estancia allí saldría el óleo Frente al mar, con el que obtuvo el segundo premio de pintura, consistente en dos mil pesos, en el IX Salón Anual de Artistas Colombianos. 


El crítico Walter Engel, en El Tiempo del 17 de agosto de 1952, encontró que tenía "una composición vigorosa, bien construida y bien realizada", pero el escritor Luis Vidales lo criticó por su "inconceptual alargamiento de las figuras".

La casa de Amanda Ramírez (1988), Masacre en Colombia (2000), Lienzo de la serie La corrida entre otras son parte de las pinturas de Botero.




Diferencia entre estos dos artistas al general son:

·        * Tomemos a título de ejemplo la interpretación de dos obras mitológicas, propias de la cultura clásica, por parte de estos dos artistas plásticos. Uno y otro han interpretado plástica mente una obra literaria.

·         *Recordemos que la leyenda mitológica del sacerdote troyano Laocoonte aparece en la Eneida de Virgilio (70-19 a.C.) y que el rapto de Europa se relata en las Metamorfosis de Ovidio (43 a.C.-17 d.C.).

·        * El Rapto de Europa

Hablemos primero de las diferencias de El Greco:

-  Muestra a las serpientes como un castigo divino por haber intentado Laocoonte destruir el caballo de Troya.

- Presenta a Laocoonte, sus dos hijos y una pareja a la derecha de la escena sobre el fondo de la vista tormentosa de Toledo.

- El animal asciende el camino que le conduce a la puerta de la ciudad.

- El Greco tuvo ante sí un texto literario y un texto visual como base de su interpretación.

- Tal fue el caso de las pinturas alargadas del Greco, o los bustos de Rubens. El juego de las desproporciones cobra un carácter especial, en la pintura y la escultura.

Ahora bien diferencias por parte de Fernando Botero:

- La percepción del espectador no especializado es la de contemplar simplemente un desnudo femenino sobre un caballo, mientras que la del receptor especializado será más completa, en tanto en cuanto pueda relacionarla con el hecho mitológico.

- Fernando Botero no sólo esculpe este asunto mitológico, sino que también lo pinta.

- Los dos personajes del mito tienen para Botero un tratamiento, en cierto modo, desigual. Si bien uno, dispuesto horizontalmente (el toro) sirve de contrapunto a la otra figura, dispuesta verticalmente.

- Al interpretar plástica mente un texto literario, están poniendo en práctica la traducción intersemiótica o transmutación.

- Cuando el concepto de belleza comienza a relativizarse y el artista intenta construir su propio mundo distanciándose de los cánones clásicos, su producción es catalogada popularmente como grotesca, pero tiene un sentido propio para cada autor.

- La redondez que caracteriza la obra de Botero es lo que hace que, hasta las cosas más inertes en su pintura resulten apetecibles. Ya que todo artista distorsiona la realidad.


Y para finalizar si analizamos ambas representaciones plásticas haciendo el recorrido por su relación de tendencias de formantes y teniendo en cuenta la deformación canónica por exceso o por defecto en las respectivas interpretaciones que Botero y El Greco hacen del texto literario mitológico, el resultado es que el público receptor meta aplaude la infidelidad formal y la originalidad e impronta del artista-traductor-autor, a juzgar por el éxito que la obra de ambos ha tenido tanto entre el público especializado como el no especializado.





Análisis de las obras de Leonardo Da Vinci y El Bosco

Leonardo da Vinci es uno de los representantes del Renacimiento, destacado como artista, inventor y descubridor. Nació en 1452 en Vinci, siendo hijo ilegítimo de un notario florentino. Se crió en Florencia y aprendió en el taller de Verrocchio; con seguridad, Leonardo está en el taller de Verrocchio en 1476, como confirma una denuncia en la que se le acusaba de homosexualidad. Con 20 años ya es maestro independiente, interesándose mucho por descubrir nuevas técnicas para trabajar al óleo. Sin embargo, continuó ligado al taller de Verrocchio hasta prácticamente su marcha de Florencia. Su reputación crecía y los encargos aumentaban.

Se opuso al concepto de "belleza" ideal, defendiendo la imitación de la naturaleza con fidelidad, sin tratar de mejorarla. Y así contempla la fealdad y lo grotesco, como en sus dibujos de personajes deformes y cómicos, considerados las primeras caricaturas de la historia del arte. Su dominio del color y la atmósfera le hace también el primero en ser capaz de pintar el aire. La perspectiva aérea o atmosférica, como hoy se conoce, es una característica inconfundible de su obra, en especial de los paisajes.


Leonardo escribió la mayor parte de sus escritos en toscano, un dialecto florentino. Pero escribía al revés, como visto por un espejo. La obra pictórica de Leonardo es muy escasa y discutida. El signo del artista fue el abandono sistemático de los proyectos que se le encargaban, por muchas medidas que tomaran los clientes mediante contratos, cláusulas, etc. Él mismo no se definía como pintor, sino como ingeniero y arquitecto, incluso como escultor. Sin embargo su prestigio en vida alcanzó dimensiones prácticamente desconocidas.

Bautismo de Cristo, Anunciación, Madona Dreyfus, Ginebra de Benci, Adoración de los Magos, La Virgen de las Rocas, La dama del armiño, La ültima Cena, La Gioconda,San Juan Bautista son algunas de las obras maestra de Leonardo Da vinci.

Pinturas de Leonardo Da vinci

Pinturas de Leonardo Da Vinci

Jerónimo Bosch o mejor conocido como El Bosco es el apelativo por el que conocemos en España al genial pintor holandés Jeroen van Aeken. Nació en la localidad holandesa de Hertogenbosch, cerca de Amberes, en el ducado de Bravante. Sin embargo, no hay noticias de que saliera de su ciudad natal, ni siquiera a la próspera ciudad comercial de Amberes.

 Su familia estaba dedicada tradicionalmente al oficio de pintor: su abuelo, su padre, su tío, sus hermanos y su hijo. El taller familiar lo heredó Goosen, su hermano mayor, que de esta forma poseía en exclusiva el derecho a usar el apellido familiar Van Aeken que distinguía las obras de este taller frente a las de otros talleres de pintores. Por ello, Jeroen tuvo que buscar un nombre con el que organizar su propio taller y diferenciarse de su hermano; latinizó su nombre de pila transformándolo en Hieronimus y eligió por apellido el nombre de su ciudad natal S'Hertogenbosch, simplificado Bosch, nombre que en España derivó hacia El Bosco.

El Bosco prácticamente pintó sólo obras religiosas. Su piedad era extrema, rigurosa, y presentaba un mundo enfangado, que se revolcaba en el pecado, casi sin esperanza de salvación. El Bosco ve a sus congéneres pudriéndose en el Infierno por todo tipo de vicios. Se tiende a mirar sus obras como productos magníficos de la imaginación y no hay tentación más fácil que identificarlo con el surrealismo. Se comete el error de pensar que El Bosco pintó para nosotros, que se adelantó a nuestra visión de época y que en ello radica su valor como visionario.

Pinturas de El Bosco
Entre algunas de sus pinturas más famosa está el jardín de las Delicias,La muere de un avaro,La nave de los locos,Cristo con la cruz a cuestas,El carro de heno,Mesa de los pecados capitales,entre otras.

Hablando dela pintura flamenca están  dos primeras que  hacen referencia a la pintura de los Países Bajos que surgió dentro del Renacimiento Europeo. Estaban formadas por un conjunto de artistas relativamente aislados de la revolución del Renacimiento y algunos, como la escuela reaccionaria, contrarios a influencias italianizantes.
Pinturas de El Bosco

Aún conservaban rasgos del estilo gótico, técnicos, como el uso de la tabla en lugar del lienzo, y temáticos, sobre todo religiosos y espirituales. Sin embargo, su habilidad detallista e intereses les impulsaron a investigar y a descubrir de forma empírica la perspectiva, a perfeccionar la técnica del retrato al que dotaron de gran profundidad psicológica y a reivindicar el paisaje como tema pictórico. Por otro lado, seguimos llamándolo “flamenco”. Pero Flándes solo constituye una parte de los Países Bajos.

Pintura de Leonardo Da Vinci


Pintura de El Bosco

Similitudes entre Leonardo Da Vinci y El Bosco:
  •  La obra refleja la cara de una muchacha triste.
  •   La dirección de la mirada hacia abajo.
  • El parecimiento del físico de la muchacha
  •  En la obra del Bosco también la muchacha refleja tristeza.
  •  La dirección de la mirada.
  •   Al igual que aquí tienen un parecido en la fisionomía del rostro.
La Gioconda o mejor conocida como Mona Lisa,Leonardo Da vinci
Diferencias entre Leonardo Da Vinci y El Bosco
  •  Se preocupa por que su obra sea bella.   
  •  Es fiel creyente al exterior,  por medidas simétricas.
  • En la pintura los colores son simples.
  •  Dibuja al hombre con detalles perfectos
  •  Es realista
  •  Se obsesionó por lo feo, Creció con pensamientos todavía medievales y esto condicionó su estilo.
  •  La belleza puede centrarse en los pensamientos, en la moralidad, en lo profundo, es un juego psicológico.
  •  Los colores se miran más atractivos.
  • Dibujas moustros
  • Es surrealista.
El Jardín de las Delicias,El Bosco


Diferencias entre los artistas Bosco y  Leonardo Da Vinci :

·       *  Exploraron en sus pinturas el mundo de los sueños ya que  el bosco expresaba  sus ensoñaciones esotéricas y religiosas.

·        * Sus pinturas están pobladas de escenas grotescas protagonizadas por seres fantásticos que sucumben a toda índole de fantasías, angustias y anhelos humanos.

·       *  Una de sus grandes genialidades fue tomar las representaciones figurativas y escénicas conocidas como drolleries, que utilizan monstruos y seres grotescos para ilustrar los pecados y el mal, y trasladarlas de los márgenes de los manuscritos miniados a pinturas en retablos de gran formato.

Leonardo Da Vinci  vrs Bosco:

·         *Sus temas son más religiosos, retratos, estudios de la naturaleza (botánicos, anatómicos).

·        * Las pinturas de Leonardo da Vinci son escasas, pero están consideradas como obras maestras del patrimonio universal.

*Su legado artístico más abundante son los dibujos. Su método científico de investigación se basa en la observación e ilustraciones descriptivas  detalladas.

* Son de especial relevancia sus cuadernos con reflexiones sobre la naturaleza de la pintura.
·         Se interesa por el estudio de la anatomía humana y animal, las proporciones del cuerpo, los signos de envejecimiento y enfermedad y la expresión de las emociones.